인도에는 디자인 과정이 부족하지 않습니다. 대부분의 주요 도시에서 학생들은 패션 및 인테리어 디자인 프로그램을 제공하는 여러 대학과 아카데미를 찾을 수 있습니다. 이러한 성장은 좋은 징조입니다. 이는 창의적인 직업이 학생과 학부모에게 점점 더 받아들여지고 있음을 보여줍니다. 그러나 이는 또한 중요한 질문을 제기합니다. 학생들은 단지 과정을 이수하기 위해 교육을 받고 있습니까, 아니면 실제 직업 요구 사항에 대비하고 있습니까?
이 질문은 인도의 젊은 학생들이 자신의 미래에 대해 다르게 생각하고 있기 때문에 더욱 관련성이 높아졌습니다. 그들 중 다수는 고정된 직업만을 찾고 있는 것이 아닙니다. 그들은 자신만의 무언가를 만들고, 제시하고, 구축하고, 성장시키고 싶어합니다. 동시에 사람들은 신선한 아이디어, 국내 브랜드, 독립 스튜디오, 개인화된 공간, 새로운 라벨 및 창의적인 서비스에 더 개방적입니다. 차세대 디자이너는 일자리를 찾는 것뿐만 아니라; 그들 중 다수는 차세대 패션 브랜드, 디자인 스튜디오, 스타일링 브랜드 또는 창의적인 기업을 구축할 수 있습니다.
디자인 산업도 변했다. 패션 디자인은 더 이상 의류 스케치, 원단 선택, 트렌드 추종에만 국한되지 않습니다. 인테리어 디자인은 더 이상 방 꾸미기, 색상 선택, 가구 배치에만 국한되지 않습니다. 이제 두 분야 모두 라이프스타일, 비즈니스, 브랜딩, 디지털 미디어, 소매, 부동산, 호텔, 이벤트, 전자상거래, 기업가 정신과 연결됩니다.
오늘날 젊은 패션 디자이너는 스타일, 시각적 아이덴티티, 컬렉션 계획, 고객 행동, 소셜 미디어 프레젠테이션 및 브랜드 구축을 이해해야 할 수도 있습니다. 젊은 인테리어 디자이너는 공간 계획, 재료, 조명, 가구, 고객 요구 사항, 디지털 프리젠테이션 및 실제 실행을 이해해야 할 수도 있습니다. 디자인을 예술 분야로만 생각하는 낡은 아이디어로는 더 이상 충분하지 않습니다.
동시에 기본도 무시할 수 없습니다. 관찰력, 창의성, 스케치, 색감, 비율, 기교, 소재에 대한 이해, 문화적 인식은 여전히 좋은 디자인의 기반을 형성하고 있습니다. 학생이 소프트웨어를 배우거나 기술을 사용하는 것만으로는 강력한 디자이너가 될 수 없습니다. 실제로 필요한 것은 전통적인 디자인에 대한 이해와 오늘날 시장에서 요구되는 기술을 결합하는 것입니다.
오늘날 디자인 교육에서 가장 큰 격차 중 하나는 교실 과제와 전문 포트폴리오의 차이입니다. 많은 학문 분야에서 성적표와 수료증은 학습의 주요 증거로 남아 있습니다. 디자인에서 포트폴리오는 학생이 생각하고, 창조하고, 제시할 수 있는 것을 보여주기 때문에 종종 더 큰 비중을 차지합니다. 포트폴리오는 학생이 말하기 전에 말합니다. 이는 고용주, 고객 및 업계 멘토에게 학생의 작업에 대한 명확한 시각을 제공합니다.
이것이 바로 디자인 교육이 학생들이 학습 과정에서 무엇을 만드는지에 초점을 맞춰야 하는 이유입니다. 패션을 전공하는 학생은 스케치, 무드 보드, 의류 컨셉, 컬렉션 아이디어, 룩북, 스타일링 스토리 및 브랜드 방향을 만들어야 합니다. 인테리어 디자인을 전공하는 학생들은 공간 계획, 자재 보드, 가구 컨셉, 2D 및 3D 프리젠테이션, 고객이 즉시 사용할 수 있는 아이디어 및 최종 프로젝트 디스플레이를 작성해야 합니다. 단순히 과제를 완수하는 것이 아니라, 자신감 있게 보여줄 수 있는 작품을 만드는 것이 목적이다.
프레젠테이션도 마찬가지로 중요합니다. 많은 학생들이 창의적인 아이디어를 가지고 있지만 이를 설명하는 데 어려움을 겪습니다. 어떤 사람들은 상상은 잘하지만 자신의 사고 과정을 전달하지 못합니다. 다른 사람들은 매력적인 작품을 만들 수 있지만 이를 고객의 요구, 시장 요구 사항 또는 실제 예산과 연결하는 방법을 모를 수도 있습니다. 현실 세계에서 디자인은 단지 아름다운 것을 만드는 것만이 아닙니다. 또한 그것이 왜 작동하는지 설명하는 것입니다.
기술은 학생들의 기대도 변화시켰습니다. 디지털 도구, 디자인 소프트웨어, AI 지원 시각화, 온라인 포트폴리오 및 프레젠테이션 플랫폼이 전문 업무의 일부가 되고 있습니다. 이러한 도구는 학생들이 아이디어를 더 빠르게 탐색하고 개념을 더 명확하게 전달하는 데 도움이 될 수 있습니다. 하지만 성숙하게 사용해야 합니다. AI와 소프트웨어는 취향, 독창성, 관찰력, 공예, 인간의 이해를 대체할 수 없습니다. 디자인적 사고를 지원할 수는 있지만 이를 대체할 수는 없습니다.
업계 노출은 진지한 디자인 교육의 또 다른 중요한 부분입니다. 학생은 교실에만 앉아 있으면 직업을 완전히 이해할 수 없습니다. 학생들은 클라이언트가 어떻게 생각하는지, 전문가가 어떻게 작업하는지, 사이트가 어떻게 작동하는지, 컬렉션이 어떻게 개발되는지, 재료가 어떻게 선택되는지, 실제 상황에서 창의적인 결정이 어떻게 이루어지는지 알아야 합니다. 전문가 세션, 인턴십, 현장 방문, 라이브 프로젝트, 포트폴리오 검토 및 학생 쇼케이스를 통해 직업을 더욱 명확하게 이해할 수 있습니다.
기업가 정신은 또한 새로운 디자인 경력 환경의 강력한 부분이 되고 있습니다. 패션을 전공하는 학생은 라벨, 스타일링 스튜디오, 온라인 패션 브랜드 또는 컬렉션 기반 벤처를 시작하고 싶어할 수 있습니다. 인테리어 디자인을 전공하는 학생은 디자인 스튜디오, 장식 브랜드, 가구 벤처, 스타일링 서비스 또는 독립 컨설팅 회사를 시작하고 싶을 수도 있습니다. 사람들이 기꺼이 새로운 개념을 탐구하고 새로운 창작자를 지원하려는 시장에서 학생들은 교실 밖에서 아이디어를 가져와 실제 작업으로 구체화할 수 있는 능력이 필요합니다.
이러한 이유로 디자인 교육은 학생들에게 기본적인 비즈니스 사고를 소개해야 합니다. 창의성은 여정을 시작할 수 있지만 브랜딩, 고객 이해, 비용 계산, 커뮤니케이션, 서비스 품질 및 전문 규율은 이를 유지하는 데 도움이 됩니다. 많은 학생들이 취향과 상상력이 있어서 디자인에 입문하지만, 재능만으로는 충분하지 않다는 것을 곧 깨닫게 됩니다. 수년에 걸쳐 나는 학생들이 자신의 아이디어가 실제 작업으로 구체화되는 것을 보기 시작할 때만 진정한 자신감을 얻는 것을 보았습니다.
디자인 교육에 대한 새로운 접근 방식이 필요한 시점입니다. 오늘날 더 많은 디자인 연구소가 필요한 것은 아닙니다. 창의성을 진로 방향과 독립적으로 구축할 수 있는 자신감과 연결할 수 있는 기관이 필요합니다. 디자인 직업은 창의성, 표현력, 독립적인 성장 가능성을 제공하기 때문에 계속해서 젊은 학생들의 관심을 끌 것입니다. 하지만 매력만으로는 충분하지 않습니다. 학생들은 디자인에는 노력, 관찰, 인내, 연습 및 지속적인 개선이 필요하다는 것을 이해해야 합니다. 인도의 젊은 디자이너들에게는 교실만 필요한 것이 아닙니다. 그들은 창조하고, 제시하고, 구축하는 데 자신감이 필요합니다.
(저자는 아마다바드에 있는 디자인 혁신 아카데미(ADI)의 창립 이사입니다)